Análisis de "American Horror Story: Asylum" : ni los buenos son tan buenos ni los malos son tan malos

American Horror Story: Asylum es la segunda temporada de la serie de televisión producida por la FOX. Creada por Ryan Murphy y Brad Falchuk. Dentro del género de terror y suspense. Protagonizada por Jessica Lange como Hermana Jude, Evan Peters como Kit Walker, Sarah Paulson como Lana Winters, Zachary Quinto como Dr. Oliver Thredson, Lizzie Brocheré como Grace, Lily Rabe como Hermana Mary Eunice, Joseph Fiennes como el Monseñor Timothy Howard y James Cromwell como el Dr. Arthur Arden, además de las actuaciones estelares de Chloë Sevigny como Shelley, la Ninfómana, Franka Potente como Charlotte Brown "Ana Frank" y Naomi Grossman como Pepper.

La segunda temporada de American Horror Story fue nominada en varios premios entre las que destaca la nominación de Jessica Lange a mejor actriz de película para televisión o miniserie, el premio al Top 10 de los programas de televisión de 2012 por el American Film Institute y multitud de nominaciones y premios más como el premio a mejor actor de reparto en miniserie/película a Zachary Quinto y a mejor actriz de reparto en miniserie/película a Sarah Paulson en los 3rd Critics' Choice Television Awards.
En esta ocasión los protagonistas no se centra en una familia o en una pareja sino que son varias tramas que van tejiéndose poco a poco, convirtiéndose en protagonista cada una de las historias paralelas teniendo el mismo peso en la serie, además de volver a recurrir a una mezcla de pasado con presente, y conducir al espectador en enfrascarse en la búsqueda de la verdad sobre ese manicomio. En primer lugar, tenemos como protagonista a la Hermana Jude junto a la hermana Mary Eunice y el Monseñor Timothy Howard, encargados del manicomio Briarcliff en 1964, de este trío hay que destacar sin duda a la grande Jessica Lange que vuelve a mostrarnos una vez más una grandísima actuación, llena de matices, que consigue que a lo largo de la temporada sea uno de los personajes mejor construidos psicológicamente, con sus miedos, sus contradicciones, sus virtudes (pocas pero las tiene) y como ejemplo de que los malos no son tan malos ni los buenos tan buenos. Pero, sin duda, la gran relevación de esta temporada es Lily Rabe con su personaje de la hermana Mary Eunice, un personaje que a diferencia del personaje de Lange  no es un personaje lleno de matices sino que pasa de un extremo a otro (para los que la hayan visto entenderán por qué) es un vaivén de emociones y te sorprenderá el giro de acontecimientos que da su personaje en varias ocasiones, Rabe consigue captar la atención del espectador en todo momento y su presencia se te hace imprescindible. Y también mencionar que el Dr. Arthur Arden sería otro protagonista adherido a este trío, un personaje con un pasado oscuro y aberrante pero que consigue transmitir al espectador las ganas de saber más sobre lo que oculta, de lo que hay detrás de toda esta institución. Sin duda, estos cuatro personajes son el eje principal de la ficción y permiten mantener en ascuas al espectador en todo momento, podríamos verlos también como el 'eje del mal' de la serie.

Análisis de "American Horror Story: Murder House" : los trapos sucios se lavan en casa, o no

American Horror Story: Murder House es la primera temporada de la serie de televisión producida por FX. Creada por Ryan Murphy y Brad Falchuk. Dentro del género de terror y suspense. Protagonizada por Connie Britton como Vivien Harmon, Dylan McDermott como Ben Harmon y Taissa Farmiga como Violet Harmon, y completando el reparto principal: Evan Peters como Tate Langdon, Jessica Lange como Constance Langdon, Jamie Brewer como Adelaide "Addie" Langdon, Denis O'Hare como Larry Harvey, Kate Mara como Hayden McClain, Zachary Quinto como Chad Warwick y Teddy Sears como su pareja, Patrick, Frances Conroy y Alexandra Breckenridge como Moira O'Hara, Lily Rabe y Matt Ross como el matrimonio Montgomery y Christine Estabrook como Marcy.

Decidí empezar a ver esta serie por la recomendación de varias personas y desde el primer episodio puedo decir que me enganchó y en tan solo un fin de semana me he terminado la primera temporada y puedo decir que es una gran serie y que te mantiene en tensión episodio tras episodio.

La familia Harmon es la protagonista principal de este puzzle de diferentes personajes que componen la serie y puedo decir que aunque al principio parezcan el típico matrimonio en crisis por infidelidad y una hija adolescente con problemas, dotan de gran personalidad a éstos personajes. La interpretación más destacable es la de una joven Taissa Farmiga que me sorprende el realismo con el que plasma los sentimientos de su personaje y sus problemas tanto físicos como psicológicos, sobre todo psicológicos, no dejando caer a Violet, su personaje, en la típica adolescente depresiva de serie de televisión que solamente es drama, drama y más drama, sino que tiene una mezcla de sentimientos: amor, alegría, tristeza, odio, etc. Muy conseguido. La interpretación de Connie Britton de una esposa abnegada y en una depresión constante y algo histérica es casi perfecta, pero a veces cae en una planitud que no me gusta mucho y creo que en ocasiones le falta 'sangre en las venas' a su personaje, incluso parece que tiene horchata algunas veces, pero bastante conseguido y por último, y no menos importante, la actuación de Dylan McDermott como el marido infiel, atractivo, exitoso y arrepentido, Ben, que a mí particularmente me llegó a caer mal este personaje, por lo tanto puedo decir que ha sido también una muy buena actuación pero en ocasiones se llevan más la presencia pantalla otros personajes menos principales en la escena, pese a que él este en ella.

Crítica de "Las 13 rosas" : una mirada fría al pasado

Las 13 rosas es una película de Emilio Martínez-Lázaro, inspirado en los hechos relatados en el libro "Trece rosas rojas" de Carlos Fonseca sobre la historia de "Las Trece Rosas". Pertenece al género dramático-histórico. Protagonizado por Pilar López de Ayala, Verónica Sánchez, Gabriella Pession, Marta Etura, Teresa Hurtado de Ory, Bárbara Lennie, Alba Alonso, Celia Pastor, Silvia Mir, Sara Martín, María Cotiello, Miren Ibarguren y Carmen Cabrera como las Trece Rosas, completando el reparto Nadia de Santiago, Félix Gómez, Fran Perea y con la participación de Secun de la Rosa, Luisa Martín, Goya Toledo y Leticia Sabater.

Fue una de las películas más nominadas en la 22º edición de los Premios Goya, catorce nominaciones, entre ellas "Mejor película", "Mejor director" y "Mejor guion original". También estuvo preseleccionada para representar a España en los premios Oscar aunque finalmente sería escogida "El orfanato" de Juan Antonio Bayona.

El problema que tiene esa película es la dificultad que tenía para llevar a la gran pantalla por primera vez a unos símbolos muy influyentes de la Guerra Civil Española como lo son "Las Trece Rosas", dado que fueron trece jóvenes que en los últimos tiempos han cobrado gran fama con su figura y su historia.

Esta película sin duda me deja con un poco mal sabor de boca, dado que esperaba una película realmente impactante, no más dramática sino más cruda. Los horrores de la Guerra Civil han sido documentados y llevados a la gran pantalla en más de un par de películas pero en este caso, se trata la trama de una manera demasiado correcta, le falta realismo, le falta arriesgar (siempre con respeto) e intentar contar la historia tal y como fue pero se queda en el intento, es una película que podría haber sido muy valiente y a la par muy buena pero consigue ser entretenida y dar un ápice del reflejo de la verdadera historia de estas mujeres.

Crítica de 'Siempre Alice' : una actuación de Julianne Moore para el recuerdo

Siempre Alice es una película dirigida por Wash Westmoreland y Richard Glatzer. Perteneciente al género drama. Protagonizada por Julianne Moore como la doctora Alice Howland, Alec Baldwin, Kristen Stewart, Kate Bosworth y Hunter Parrish.

Muchas veces pensamos que a nosotros, no nos puede pasar. 'Siempre Alice', es el ejemplo de que seas quien seas, hayas tenido la vida que hayas tenido, puede tocarte sufrir una enfermedad tan dura como el alzheimer. Una mujer, muy bien interpretada por Julianne Moore, es diagnosticada de alzheimer, en el clímax de su carrera profesional. La película refleja muy bien no solo el sufrimiento del enfermo, si no también el de sus familiares.

Destaca el elenco de actores que intervienen en la película, consagrados y de renombre. Un tema doloroso como lo es cualquier enfermedad, y una imagen bella. La imagen, a parte de ser bonita y gustosa de ver, tiene momentos muy interesantes de enfoque y desenfoque, y planos paisajísticos.

Crítica de "Annabelle" : antes de los Warren y por debajo de ellos también

Annabelle es una película dirigida por John R. Leonetti. Pertenece al género de terror. Protagonizado por Annabelle Wallis y Ward Horton como el matrimonio Gordon, Alfre Woodard, Eric Ladin, Brian Howe, Kerry O'Malley y Tony Amendola.

La esperada precuela y 'spin-off' de la película: Expediente Warren: "The Conjuring". Ha tenido polémica en países como  Francia debido a los incidentes ocurridos durante su proyección al ser sobre todo público adolescente. A diferencia de su predecesora esta película no esta basada ni inspirada en hechos reales.

A grandes rasgos 'Annabelle' tiene los ingredientes para ser una película de miedo decente, o por lo menos lo suficiente como para salir del cine con la sensación de que has visto un film de miedo, sobre todo tratándose de la precuela de "Expediente Warren 'The Conjuring'...", además de tener una muñeca maldita (que existe en la realidad), asesinatos, demonios pero no, no ha sido una película de miedo decente.

El primer gran error que tiene este film es el ritmo, es demasiado lento, después de una hora de metraje apenas has tenido algún que otro sobresalto (y solo al principio) y ni siquiera es justificado, ya que no se ahonda en la historia durante esa primera hora sino que se limita a una mudanza, un asesinato y poco más, creo que lo más interesante de esta hora es el pulso de pulgares de los protagonistas (nótese la ironía).

Crítica de "Boyhood (Momentos de una vida)" : la fina linea del paso del tiempo

Boyhood (Momentos de una vida) es una película dirigida y escrita por Richard Linklater. Rodado con el mismo grupo de actores durante doce años, desde 2002 a 2013. Protagonizado por Ellar Coltrane en el papel protagonista de Mason, Lorelei Linklater como Samantha, Patricia Arquette como Olivia e Ethan Hawke como el padre.

Como primer apunte importante a resaltar de este proyecto es sin duda la duración del rodaje. Doce años, con el mismo grupo de actores, manteniendo el mismo estilo, un proyecto ambicioso, sin dudarlo. Hay que agradecer el riesgo de Linklater ya que 'Boyhood' es un ejemplo de como si se arriesga se gana, y no hablando en términos económicos sino en términos artísticos y cinematográficos. En conclusión, un proyecto revolucionario en la historia del cine.

Hay que subrayar que "Boyhood" no juega con la premisa de remitirse a contar una historia hablando en pasado sino al contrario, utiliza el recurso de hacernos ver que el paso del tiempo es una sucesión de recuerdos en presente y que cuando menos te lo esperas ya ha pasado gran parte de tu vida, han pasado la mayor parte de tus experiencias y que inclusive el momento más eterno se convertirá en un capítulo más de tu vida y no en el único.

La nostalgia con la que nos es presentada cada momento del protagonista, cada acción vivida y cada detalle de su vida están totalmente pegados a la realidad llegando a crear una relación de identificación total con los personajes y situaciones presentadas. El primer amor, la primera copa, la primera decepción, la inocencia y la pérdida de esta, es un análisis total de cómo transcurre la vida y tras su visionado rememorarás tu propia vida, dejándote sin duda con un buen sabor de boca tras salir del cine.

Lo bueno, también, es que no nos muestra lo bonita que es la vida únicamente sino que al contrario, nos muestra la realidad como es: agridulce. Los momentos más complicados y negros del film no son presentados con exceso dramatismo o morbosidad, hay un respeto hacia este tipo de situaciones, no haciendo hincapié en ellos pero sí dándoles importancia en la propia historia y como influencia este tipo de situaciones en la vida del protagonista y de su entorno. Los momentos más felices se nos muestran sin exaltación de la felicidad ni el recurso del 'happy-end' sino que se muestra como efímera pero cargada de sentimientos, totalmente como pasa en la vida real. La vida es un constante tira y afloja. Linklater hace de "Boyhood" una historia que no trata de algo en concreto sino de un todo, de una vida, de cómo pueden ocurrir las cosas y como transcurren, los dramas no son cinematográficos sino que son nuestro pan de cada día, los romances no son historias de amor idealizadas sino que hay vaivenes como en todas las parejas, los divorcios no son sólo gritos y lloros sino que hay más. "Boyhood" consigue eso: ser vida.

Crítica de "Belle" : una aristócrata indecisa

Belle es una película de Amma Asante. Basado en la vida de Dido Elizabeth Belle. Perteneciente al género drama de época. Gugu Mbatha-Raw en el papel protagonista de Dido Elizabeth Belle, completando el reparto Tom Wilkinson, Miranda Richardson, Penélope Wilton, Sam Reid, Matthew Goode, Emily Watson, Sarah Gadon, Tom Felton, Alex Jennings, James Norton, James Northcote y Bethan Mary-James.

Lo más llamativo de este film es la historia que nos quiere narrar, lo que hay detrás, la vida de una aristócrata negra, fruto de una relación entre una esclava, María Belle, y el capitán John Lindsay. Además de los estigmas sociales del siglo XVIII por la raza también debía afrontar su posición de hija ilegítima de un oficial.

El problema principal que tiene "Belle" es que abarca un sinfín de tramas pero no termina de encajar totalmente todas, por lo tanto nos entrega un puzzle desordenado en el cual las piezas encajan de mala forma pero no de forma tan mala como para ser una mala película, por lo que está en el limbo de ser una película interesante pero no de gran calidad.

La interpretación de Gugu Mbatha-Raw podría haber dado más de sí. Correcta pero no una gran actuación, incluso en algunas escenas le falta una profundización de los matices de su personaje y el abanico de sentimientos que únicamente son posibles a través de la expresión corporal y el lenguaje no verbal del que carece Mbatha-Raw en algunas de las escenas en las que es necesaria. Pudo ser pero no lo fue.

Tom Wilkinson, a diferencia de Mbatha-Raw, si consigue dar una buena actuación. No únicamente transmite a través de los diálogos contundentes sino que consigue hablar con las miradas, los gestos, además de cumplir con los cánones de la época. Un gran acierto la elección de Wilkinson para le papel del conde de Mansfield. Consigue una brillante realización y plasma a la perfección la mentalidad del tiempo.

Miranda Richardson junto con Tom Felton sin duda hacen tan grandes sus actuaciones que desembocan en que termines de odiar a sus personajes pero esto es un halago para sus interpretaciones dado que la personalidad de sus personajes es bastante tediosa.

Destacar a Sarah Gadon y su papel como la prima de Belle, también consigue transmitir esa juventud y anhelo de rectitud necesaria para este tipo de papeles. Comedida, correcta y su actuación es bastante creíble.

Crítica de "Guardianes de la galaxia" : la reinvención de Marvel

Guardianes de la galaxia es una película dirigida por James Gunn. Basada en los cómics de Guardiantes de la Galaxia. Perteneciente al género de ciencia ficción. En los papeles principales Chris Pratt como Star-Lord, Zoe Saldana como Gamora, Dave Bautista como Drax el Destructor, Bradley Cooper cediendo su voz a Rocket al igual que Vin Diesel en el papel de Groot, completando el reparto Michael Rooker, Glenn Close, Lee Pace, Karen Gillan, Benicio del Toro y Josh Brolin como la voz de Thanos.

"Guardianes de la galaxia" fue promovida como uno de los grandes 'blockbusters' del verano junto con "Transformers: La era de la extinción", "Cómo entregar a tu dragón 2", "Los mercenarios 3" y "Lucy". Además, de tratarse de la penúltima película de la Fase dos de Marvel y la décima película de dicho estudio.

Se puede decir que este film ha conseguido cumplir su objetivo además de sorprender muy gratamente al público. Es una película que no, únicamente, tiene el deber de entretener sino que además disfrutas de la pieza totalmente gracias a la mezcla de elementos que se encuentra en ella. Muy fresca, actual y sin perder la en ningún momento la esencia del mundo Marvel.

Las interpretaciones de estos guardianes son sin duda muy buenas. Chris Pratt consigue manejar de forma notable el testigo de ser el líder del grupo y que sobre él recaiga en gran parte el peso del film, no flaquea en ningún momento y no nos da únicamente una faceta sobre su personaje sino que muestra pequeños matices que aportan a su personaje de humanidad y no únicamente de un héroe con un pasado y una personalidad oscura o un héroe que sólo busca la felicidad sin una explicación racional, al contrario, Star-Lord es presentado como un héroe antagonista, con valores positivos pero también con defectos humanos, con lo que es una muestra visual de que "ni los malos son tan malos ni los buenos son tan buenos". Gran interpretación de Pratt.

Crítica de "Sex Tape: Algo pasa en la nube" : ¿esto es una comedia?

Sex Tape: Algo pasa en la nube es una película de Jake Kasdan. Pertenece al género cómico. Protagonizada por Cameron Díaz, Jason Segel, Rob Corddry, Ellie Kemper y Rob Lowe.

"Sex Tape: Algo pasa en la nube" es sin duda una de esas películas que son necesarias para darte cuenta que incluso las comedias disparatadas y llena de 'gags' hay que saber hacerlas porque sin duda esta película es un despropósito en sí.

El principal error del film es el guion insulso, soso, con nada de gracia y que apenas consigue sacarte alguna sonrisilla en alguna escena por no decir que en dos o tres. El exceso de situaciones sin sentido hace que te despiste del verdadero cometido que busca la película. Algunos tópicos están demasiado vistos, además de que es todo demasiado forzado, no hay ni siquiera un ápice de naturalidad en nada. Las 'parodias' van más allá del ridículo que es la vergüenza ajena.

Apenas hay una interacción correcta de los protagonistas con el resto de los personajes por no decir que apenas hay interacción entre ellas, incluso en algunos momentos parece que el guionista se ha olvidado de que había más personajes y están ahí de relleno. Hay tramas paralelas que salen 10 minutos pero se les da demasiado importancia en los diálogos para que luego ni siquiera tengan ese peso en pantalla. La historia es tan disparatada que podría haber dado mucho más de sí y por lo menos cumplir con su cometido que es hacer reír a la gente porque aquí un servidor es de los que disfruta muchas veces con las comedias que son consideradas 'malas' pero esta película ni siquiera se merece que se la califique como una comedia sino en un intento de. Lo más gracioso de la película es, sin dudarlo, su trailer.

Crítica de "El sueño de Ellis" : el oscuro 'sueño americano'

El sueño de Ellis es una película dirigida por James Gray. Perteneciente al género drama. Protagonizada por Marion Cotillard, Joaquin Phoenix y Jeremy Renner, completando el elenco Yelena Solovey, Dagmara Dominczyk, Maja Wampuszyc, Ilia Volok, Angela Sarafyan y Antoni Corone.

Fue nominada para la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes en 2013. "El sueño de Ellis" fue proyectada también en el Festival de Cine de Nueva York en 2013 y en el Festival Internacional de Cine de Chicago en 2013. El propio director declaró que "El sueño de Ellis" está inspirado en un 80% en los recuerdos de sus abuelos, que llegaron a Estados Unidos en 1923.

El plato fuerte de "El sueño de Ellis" es sin duda las interpretaciones. Nos encontramos con un reparto encabezado por tres grandes figuras del cine actual como son la oscarizada Marion Cotillard, Joaquin Phoenix al que hemos visto recientemente en "Her" y Jeremy Renner en "La gran estafa americana".

La actuación de Marion Cotillard es magistral. Trata con tanta crudeza y realismo a su personaje que hace que seas capaz de empatizar de lleno con su personaje. Se puede ver el abanico de registros que presenta Cotillard en su carrera profesional desde una cantante conocida mundialmente como Édith Piaf en "La vie en rose" como una joven enamorada y alocada en "Quiéreme si te atreves" y en esta película nos encontramos a una joven inmigrante de origen polaco entrando en los Estados Unidos de los años 20. El peso visual que aporta al film es grandioso, se 'come' la pantalla en todos los planos en los que aparece incluso dejando a veces en un segundo plano a sus compañeros de reparto como Jeremy Renner aunque la conjugación de interpretaciones permite que sea una película poco convencional pero con un gran atractivo hacia el espectador. Además, como curiosidad, es increíble como Cotillard es capaz de manejar a la perfección el polaco y que no sea forzado, ayudando así al realismo que aporta al personaje.

Crítica de "Bajo la misma estrella" : la vida no es de color de rosa

Bajo la misma estrella es una película dirigida por Josh Boone. Dentro del género del drama. Protagonizado por Shailene Woodley y Ansel Elgort, completando el reparto Laura Dern, Sam Trammell, Nat Wolff y Willem Dafoe.

"Bajo la misma estrella" es una película basada en la novela con el mismo nombre escrita por John Green. Su adaptación cinematográfica corrió a cargo del guion escrito por Scott Neustadter y Michael H. Weber. La película ha sido enfocada sobre todo para el público juvenil, en concreto a los adolescentes.

La película podría dividirse en dos partes: la presentación del personaje de Hazel y su idílica historia de amor y como la historia de Hazel va avanzando, teniendo que afrontar su realidad y las situaciones que se le presentan. Aun así, han conseguido aunar ambas partes y conseguir que no haya un vacío o que se haya utilizado algún recurso cinematográfico 'oportuno' para argumentar el porqué de las situaciones sino que la película transcurre con normalidad e incluso brinda con giros argumentales que hacen que la película no se convierta en otro "Un paseo para recordar" con Mandy Moore sino que nos dé una visión del cáncer de una forma humana y real sin dejar de lado el romanticismo, que también se humaniza e intensifica y es verdad que hay que destacar que algunas partes caen en lo 'pasteloso' y hay una búsqueda de la lágrima fácil en cuánto a la relación de Hazel con Gus pero que por suerte, aunque lo borda, no cae del todo en el sentimentalismo barato adolescente sino que se mantiene en un romanticismo cinematográfico pero con atisbos de realidad y crudeza.

Crítica de "Grace de Mónaco" : una princesa sin brillo

Grace de Mónaco es una película de Olivier Dahan. Pertenece al género drama. Inspirado en la vida de Grace Kelly. Protagonizada por Nicole Kidman en el papel de Grace Kelly, completando el reparto Tim Roth, Paz Vega, Milo Ventimiglia, Frank Langella, Parker Posey, Derek Jacobi, Geraldine Somerville, Robert Lindsay, Nicholas Farrell y Roger Ashton-Griffiths.

La película abrió el Festival de Cine de Cannes en 2014, participando fuera de competencia. Fue inicialmente prevista para ser estrenada a finales de noviembre de 2013. Después fue atrasada hasta el 14 de marzo de 2014 hasta finalmente ser estrenada oficialmente el 4 de junio de 2014. La película tuvo una gran polémica al no ser aceptada y boicoteada por la propia familia Grimaldi que consideraba que esta película no reflejaba para nada la realidad.

El gran problema de "Grace de Mónaco" es que está llena de buenas intenciones pero ninguna llega a producirse. Una fotografía impresionante, unos planos que intentan recordarnos las miradas míticas de Grace Kelly, la voluptuosidad de las localizaciones y de Mónaco pero estos elementos no se ven acompañados por el guion ni por la puesta en escena.

El guion es el gran fallo y la principal razón por lo que la película es bastante floja. Intenta contar un momento de la vida de Grace fundamental, pero no solo para ella sino también para la historia de la familia real monegasca y uno de los momentos más complicados para Mónaco pero durante la película apenas se ahonda en esta preocupación, los sentimientos caen en lo telenovelesco y un dramatismo excesivo poco creíble, es cierto que se aclaró que es una película ficticia inspirada en hechos reales pero esto es un punto en contra dado que si no tiene las limitaciones de un 'basado en hechos reales' podría haber dado rienda suelta a su creatividad y darnos una historia más cercana y con mayor nivel de complejidad y con mayor sustancia a la historia.

Crítica de "X-Men: Días del futuro pasado" : mutantes por partida doble

X-Men: Días del futuro pasado es una película perteneciente a la saga X-Men, dirigida por Bryan Singer. Perteneciente al género de ciencia ficción y acción. En esta película se reúnen actores tanto de las entregas originales como de la nueva generación por lo que contamos con Hugh Jackman, James McAvoy, Patrick Stewart, Michael Fassbender, Ian McKellen, Jennifer Lawrence, Halle Berry, Nicholas Hoult, Kelsey Grammer, Anna Paquin, Ellen Page, Peter Dinklage, Shawn Ashmoe, Omar Sy, Daniel Cudmoe, Evan Peters, Fan Bingbing, Adan Canto, Booboo Stewart, Josh Helman, Lucas Till, Evan Jonigkeit, Gree Lowe, Mark Camacho, James Marsden, Famke Janssen y Brendan Pedder.

"X-Men: Días del futuro pasado" es una de las entregas de los X-Men más esperadas desde las primeras informaciones allá por 2012, sin duda causaba gran interés juntar tanto a las primeras entregas como de ña nueva generación. Sin duda uno de los proyectos más ambiciosos de Marvel Studios y la 20th Century Fox.

En primer lugar, las interpretaciones son muy variadas y no hay ningún personaje que quede como sobrante, sino que cada aparición tiene un porqué y dota de pequeñas dosis de melancolía y de sorpresa al espectador. Un gran acierto poner a todos juntos pero no revueltos, sino de forma ordenada.

Ambientado en un comienzo en un holocausto de mutantes y seres humanos que están a favor de ello, nos encontramos a un grupo de supervivientes en el que encontraremos a Shadowcat, Iceman, Lucas Bishop, Colossus, Blink, Sunspot y Havok, a ellos se unen Lobezno, el profesor Charles Xavier, Magneto y Tormenta. Después de idear una manera de poder evitar el holocausto, Lobezno es enviado al pasado para encontrar tanto al profesor Charles Xavier como Magneto y cambiar el curso de la historia, en el cual Mística tiene mucho que ver.

La actuación de Hugh Jackman vuelve a ser impecable, es muy difícil pensar en Lobezno sin poner la cara de Hugh Jackman. Sin duda aporta la fuerza y ese punto cómico irónico al personaje haciendo que la tensión no sea forzada sino que te vaya envolviendo en la película y además es el punto central de esta historia, es la unión entre el pasado y el futuro. Es un actor que desempeña muy bien su papel y tiene un gran peso en pantalla. De principio a fin no desperdicia ningún minuto de su presencia en pantalla. El único error, entre medias, puede ser que se demasiado mayor cuando viaja a los 70 pero aun así una gran actuación.

Crítica de "Después de Lucía" : un grito ahogado en la humillación

Después de Lucía es una película dirigida y escrita por Michel Franco. Dentro del género del drama. El papel protagonista de Alejandra es interpretado por Tessa Ía, completando el reparto Hernán Mendoza, Gonzalo Vega Jr., Tamara Yazbek, Francisco Rueda, Paloma Cervantes, Juan Carlos Barranco, Diego Caneles y Marco Treviño.

Ganadora del premio "Un Certain Regard" en el Festival de Cannes en el año 2012. Además de otorgarle una mención especial en el ciclo "Horizontes Latinos" en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. En el Festival Internacional de Cine de Chicago ganó Michel Fanco el Premio Especial del Jurado. También hay que mencionar que Tessa Ía fue nominada a Mejor Actriz en los Premios Ariel de México al igual que su compañero Hernán Mendoza que fue nominado a Mejor Actor. Por último, mencionar que fue nominada a mejor película iberoamericana en los Premios Goya en el año 2013.

"Después de Lucía" es una película que ha acogido elementos que han potenciado el realismo y la crudeza del tema que se plantea, el 'bullying' pero buscando más la participación activa del espectador no únicamente como una persona que ve una realidad que se muestra en pantalla sino que juega con los aspectos técnicos para hacer del espectador un espectador observador como si tuviera la realidad en frente y pudiera establecer su propio criterio y mirada a lo que está sucediendo y no verse influido por las intenciones que hayan podido tener la producción, la dirección o el montaje, es decir, el espectador establece su propio punto de vista.

El personaje protagonista, Alejandra, interpretado por Tessa Ía, es una joven normal que tras la muerte de su madre se traslada con su padre a la capital mexicana con la intención de empezar una nueva vida. Durante la primera media hora podemos observar como su personaje trasciende con normalidad e incluso puede ser algo lenta la historia al no ocurrir absolutamente nada de gran peso hasta que después de esa media hora entiendes que ha sido el preámbulo para atraparnos y poder contextualizar la historia, es decir, no únicamente mostrar el abuso físico y psicológico que recibe el personaje sino el trasfondo de cómo ha llegado hasta allí, por qué no se defiende y hasta que punto pueden llegar este tipo de abusos escolares.

Creo que de principio a fin podemos ver la evolución de Alejandra en su totalidad, pasa de ser una joven que apenas habla del fallecimiento de su madre (incluso en alguna ocasión niega esa realidad) y como una mala decisión hará que su vida de un giro de 360º convirtiendo su vida tranquila junto con su padre, pese a la pena contenida por el suceso de su madre, a una pesadilla constante a la cual ella misma decide hacerle frente al no querer aumentar tensión o carga a su padre dado su estado anímico.

Crítica de "Maléfica" : una villana demasiado edulcorada

Maléfica es una película inspirada en el cuento infantil 'La bella durmiente" escrito originalmente por Charles Perrault, pero también cuenta con elementos de los Hermanos Grimm y de Giambattista Basile. Dentro del género de fantasía e infantil. Interpretando el papel protagonista Angelina Jolie, completando el reparto con Elle Fanning, Sharito Copley, Brenton Thwaites y Sam Riley.

"Maléfica" es una de las películas más esperadas por los seguidores de la factoría Disney. El proyecto empezó en 2011 y no ha sido hasta 2014 cuando ha podido ver la luz. Disney anunció esta película como una visión de su propia película, "La bella durmiente" de 1959, pero a través del personaje de Maléfica y buscar las razones de su comportamiento y su personalidad.

Positivamente, hay que destacar que la actuación de Angelina Jolie es impecable, un gran acierto elegirla para encarnar a la villana por excelencia de "La bella durmiente". Mantiene durante toda la película una personalidad fuerte y muy parecida al personaje original aunque los fallos que tiene su personaje no son debido a su interpretación sino al guion y la historia en general que ahondaremos en los siguientes párrafos.

Elle Fanning sorprende gratamente, dado que en un primer vistazo podía parecer no estar a la altura de interpretar al personaje dulce y delicado de la princesa Aurora, no por su aspecto físico sino por la edad que representaba pero sin duda después del visionado, se puede concluir que la joven ha cumplido y ha ido más allá con las expectativas que tenía de ella. Muestra una Aurora más humana y más acorde a su edad original, dieciséis años, que la película de 1959 de la factoría Disney.

El resto de actores, sinceramente, apenas destacan, cumplen con su papel a la perfección pero no dan una percepción nueva de sus personajes, exceptuando al rey Stephan, interpretado por Sharito Copley, que es presentado como una especie de rey loco y ambicioso, totalmente opuesto tanto a la versión cinematográfica de 1959 como a los cuentos originales infantiles.

La trama y el guion de esta película han sido un despropósito bastante notorio. Han reconvertido totalmente el cuento como ya si hiciera anteriormente con películas como "Blancanieves y la leyenda del cazador" o "Alicia y el país de las maravillas". Esta película podría haberse titulado perfectamente "La niñera de Aurora: Maléfica" bajo el subtítulo de "Cómo hacer que un personaje malvado parezca un santo dando un giro de trama de 360º y que parezca incluso víctima de la situación" un total desacierto. Para poder hacer un análisis de la película no voy a compararla con su la película original de Disney de 1959 sino únicamente con el cuento original de Perrault y los Hermanos Grimm aunque puede que sea peor. El personaje de Maléfica se presenta como una víctima del destino y de las malas acciones perpetradas por Stephan, que en esta película ni siquiera es rey inicialmente, otro error pero menos grave que la propia historia de Maléfica. Después de justificar la maldad de Maléfica, pudiendo ser pasable la explicación que se da en la película, pasa a lo que ya todos conocemos: el nacimiento de la joven Aurora. 

Crítica de "Big Bad Wolves" : una 'Caperucita Roja' singular

Big Bad Wolves es una escrita y dirigida por Aharon Keshales y Navot Papushado. Estuvo en la selección oficial del Festival de Cine de Tribeca. Perteneciente al género de thriller y de nacionalidad israelí. Interpretada por Lior Ashkenazi, Tzahi Grad, Doval'e Glickman y Rotem Keinan.

Después de pasar por el Festival de Sitges el año pasado, ‘Big Bad Wolves’ llega a salas españolas distribuida por Filmax. Se trata del segundo largometraje de los israelíes Navo Papushado y Aharon Keshales. Estos jóvenes cineastas crearon la primera película de terror israelí ‘Kavelet’ en el 2010.

Una serie de brutales violaciones y asesinatos a niñas aterrorizan un pequeño pueblo de Israel. Estos hechos hacen que las vidas de tres hombres se crucen: El padre de la última víctima, importante hombre de negocios sediento de venganza y que no puede contenerse ante la ineficacia de la policía; un ex detective de policía con una forma de actuar que roza la legalidad; y un profesor de religión, principal sospechoso de los crímenes y que ha sido liberado debido a una negligencia policial.

Keshales y Papushado han sabido utilizar las referencias del cine clásico negro combinándolo con las filmografías de Tarantino, Vadja o Haneke. ‘Big Bad Wolves’ muestra una perversa visión del cuento de la Caperucita Roja, sólo que aquí el leñador es una víctima más y la abuelita una vengadora de cuidado. Una visión paródica sobre cómo actúan las fuerzas de la ley en Israel. ‘Big Bad Wolves’ muestra la cara más fría y cruel de la humanidad disfrazada de venganza que queda casi relegada a un Macguffin. La revancha y la ira del padre por la pérdida de su pequeña van dejando paso a un sadismo propio de un psicópata.

El problema de la cinta es que juega con un arma de doble filo. Por un lado sus puntos a favor es que Keshales y Papushado saben utilizar las influencias del cine para llevarlas a su terreno junto con que han decidido por apostar por el cine de terror en su país convirtiéndose en vanguardistas pero por otro lado, esos mismos puntos favorables hacen que ‘Big Bad Wolves’ sufra altibajos, especialmente en los últimos actos. Los momentos de humor negro que tienen varios aciertos pero también alguna metedura de pata, más bien en referencia a la duración de dichos momentos. La ambigüedad del personaje del profesor por un lado mantiene la intriga pero, por otro, tortura más al público que al educador ya que no saber si culpable o inocente produce una sensación entre desconcierto, repugnancia y aprobación.

Presentación del libro "Globe" de Alba Quintas Garciandía

Globe es la nueva obra literaria de la joven escritora Alba Quintas Garciandía, abriendo la colección Odisea de Lapsus Calami. El libro pertenece al género de fantasía y misterio. El libro saldrá a la venta el próximo 24 de mayo, ya se puede adquirir en preventa desde la página web de la editorial. Anteriormente ya escribimos una crítica de su primera novela "Al otro lado de la pantalla".

Adelantamos que desde nuestro blog 'La Crítica de Diego" acudiremos a los eventos de presentación del libro para poder traeros en primicia toda la información sobre el evento de presentación que se realizará en Madrid y que detallaremos a continuación, además de poder traer material exclusivo de esta presentación: una reseña sobre el libro, entrevistas con la autora y esperamos poder traeros vídeos exclusivos sobre estos eventos.

A continuación os dejamos la información sobre el libro: sinopsis, opiniones de especialistas en el medio, sobre la autora, los eventos próximos para el patrocinio y presentación de la obra e información de la editorial. para ir abriendo boca.

Crítica de "Ocho apellidos vascos" : un andaluz, una vasca y una boda

Ocho apellidos vascos es una película dirigida por Emilio Martínez-Lázaro. Dentro del género cómico y romántico. Los papeles protagonistas interpretados por Clara Lago y Dani Rovira, completando el reparto Carmen Machi y Karra Elejalde.

"Ocho apellidos vascos" se han convertido en un gran éxito de masas en la taquilla española, llegando a superar los 50 millones de euros en recaudación y aun sigue en las salas de cine, además, ha superado inclusive al fenómeno que se produjo con "Lo imposible" en 2012, además de conseguir colocar entre las diez películas más vistas de la taquilla mundial, inclusive ha llamado la atención a los estudios estadounidenses que ya están ideando alguna manera de hacer su propio "Ocho apellidos vascos".

A decir verdad, la película empieza con muchísima fuerza, encontramos en la primera escena la primera contraposición de culturas (basados en tópicos) entre andaluces y vascos y la rivalidad existente entre ellos. Después de esta escena, poco a poco la película ira perdiendo su ritmo y su fuerza desembocando en un final bastante flojo y una trama muy 'normalita' y que creo, que a excepción de la situación que envuelve a los personajes, es bastante predecible y se puede concluir que es nuevamente una historia de amor como otra cualquier.

Las mejores actuaciones de la película sin duda se las llevan Carmen Machi y Karra Elejalde, la segunda pareja co-protagonista de la película. El personaje de Machi, Mercedes, es muy enternecedor y además, es quién dará algo de cordura a esta historia, una pieza fundamental, además de que nuevamente Machi deleita al público con su interpretación, aportando pequeña dosis de humor que son imprescindibles para la película.

Crítica de "El viento se levanta" : una despedida agridulce

El viento se levanta es una película de Hayao Miyazaki. Dentro del género de animación. Basada en la novela corta "Se levanta el viento" de Tatsuo Hori y en el manga homónimo del propio Miyazaki. Es la duodécima y última película escrita y dirigida por Hayao Miyazaki (undécima solo si contamos las películas de Miyazaki en el Studio Ghibli).

La despedida de Hayao Miyazaki, “El viento se levanta”, llega a los cines españoles después de varios reconocimientos, incluida una nominación al Oscar a Mejor Película de Animación.

Para su despedida, Miyazaki ha decidido elegir una final de corte más clásico, intimista, personal y terrenal. El mundo de fantasía al que tiene acostumbrado a los espectadores sólo se muestra en pequeñas pinceladas a través de los sueños del protagonista.

La película narra la vida de Jiro Horikoshi, un ingeniero aeronáutico que desde niño ha soñado con crear aviones. Esa pasión le llevará a trabajar con Mitsubishi en una época difícil de la historia, es el período de entreguerras y la Segunda Guerra Mundial está a punto de estallar. El filme muestra su vida desde la más tierna infancia hasta su pleamar en el mundo de la aeronáutica.

Las sensaciones que transmite en su última obra son difíciles de calificar con palabras. Ante todo se está ante una de las películas más bellas del realizador. Si bien en los filmes de Studio Ghibli la belleza es el imperante, en “El viento se levanta” se hace hincapié en dicha virtud. Miyazaki consigue transportar al espectador a un viaje de ensueño, al mundo visceral de Horikoshi.

Crítica de "Carmina y amén" : el 'carminismo' ilustrado

Carmina y amén es una película dirigida y escrita por Paco León. Dentro del género de la comedia negra y el drama. Protagonizado por Carmina Barrios y María León, completando el elenco Paco Casaus, Yolanda Ramos, Estefanía de los Santos y Manolo Soto. Es la secuela de la ya exitosa y aclamada "Carmina o revienta" del mismo director en el año 2012.

La película comienza con una tragedia familiar que puede ocurrir en cualquier familia, ya sea de barrio o de no tan barrio, a partir de aquí comienza la nueva aventura de Carmina que es esconder el cuerpo de su marido hasta después de dos días para poder así cobrar la paga doble de su marido, convenciendo a su hija para que le ayude en este "plan siniestro".

El ritmo de la película es muy dinámico y los 98 minutos que dura el largometraje se te pasan volando. Es un guion ácido e irónico, mezclado con la cercanía de las propias expresiones utilizadas y de la ambientación de la película, puedes llegar a identificar a los personajes del film con personas de la vida real como la vecina, un amiga o amigo, o incluso a algún miembro de tu familia.

No se pierde la esencia de la primera parte sino al contrario es una secuela que ha sabido mantener su sello de identidad pero sin caer en los tópicos o volver a darnos un refrito de la primera película, que es el miedo que se puede tener en una secuela de este tipo de películas. Paco León ha sabido captar la mezcla de espontaneidad con la que ya nos brindó en la primera parte, haciendo que en ningún momento el mezclarlo con situaciones innovadoras e inverosímiles se vea forzado, un gran acierto sin duda.